Era en Ponce, Puerto Rico, cuando en el 1944 un músico oriundo de Yauco, pero ahora residente de esa ciudad, Enrique “Quique” Lucca Caraballo, decide formar una agrupación musical. Configurada originalmente por dos trompetas, ritmo y voces, y constituida en su totalidad por músicos ponceños, la orquesta es bautizada “Orquesta Internacional”.

Diez años más tarde, el sueño de Lucca, el de lograr hacer algo transcendental, se empieza a esfumar. Cansado de la fiestas de salón y los contratos domingueros, decide desbaratar el conjunto. El quería algo más que un quinteto como el que lideraba en ese momento y buscaba aumentar sus ingresos para sustentar mejor a su esposa Angélica y a sus tres hijos: Zulma, Enrique y Wanda.

Pero llevaba la música en la sangre, y al poco tiempo, febrero de 1954, los reunió de nuevo. Don Enrique iba a establecer un nuevo conjunto, uno más grande, con un sonido más potente. Para alcanzarlo, se había nutrido de un repertorio de temas populares compuestos por Arsenio Rodríguez (a quien le tenía una profunda admiración), la Sonora Matancera y el Conjunto Casino, el de los dos Roberto: Faz y Espí. El nombre oficial de la flamante orquesta sería ¡La Sonora Ponceña!

Los primeros discos de la Ponceña, a pesar de su éxito comercial y excelente instrumentación, no dejaban de ser extraños, ya que se hacían llamar “Sonora”, tenían formato de Orquesta y sonaban como un Conjunto. Y la razón era evidente; aún estaban bajo la influencia del “Ciego Maravilloso”, Arsenio Rodríguez, el tercer cubano, cuyo sello musical era parte inquebrantable de los conjuntos de la época. En sus comienzos, La Ponceña y La Perfecta de Eddie Palmieri, orquesta ubicada en Nueva York, eran muy parecidas, con la excepción de que la sección de vientos de esta última estaba centrada en los trombones.

Tres hechos determinaron la consolidación del estilo de La Sonora Ponceña. El primero fue el nacimiento en 1946 de Enrique Arsenio, el hoy internacionalmente reconocido “Papo”, un niño prodigio que hiciera su debut profesional en el programa de televisión de la popular cantante puertorriqueña, Ruth Fernández, tocando el piano y acompañado por la orquesta fundada por su padre.

La Segunda fue la compra del sello Inca por parte de Jerry Masucci, dueño de la firma Fania Records, quien había escuchado a La Sonora en diferentes conciertos durante sus visitas a Nueva York. Se compra ampliar la distribución y le dio a la Orquesta la oportunidad de conocerse por toda la cuenca caribeña. La tercera, el hallazgo por parte de Papo de la obra musical del pianista Oscar Peterson, considerado uno de los mejores exponentes de Jazz, y cuyo estilo se escuchaba en sus solos de piano.

La historia del desarrollo y eventual éxito del pequeño Enrique está llena de gratas y amenas memorias. Como cuando por más que tratara, en su primera presentación profesional en el programa de Fernández, descubre que no podía alcanzar los pedales del inmenso piano negro que le habían proporcionado. Tenía cuando eso once años y siendo para su edad fisicamente chico, si se sentaba a tocar, los pies no le llegaban a los pedales y si lo hacía parado, casi no veía las teclas. Al rescate Don Quique, quien consola al niño y le dice que no se preocupe porque él nunca permitiría que esa tarde perdiera la oportunidad de tocar profesionalmente por primera vez , le amarra unas extensiones a sus zapatos para que pudiera manejar los pedales.

Otra entretenida anécdota sucede cuando tenía cinco años. Resulta que el niño tocaba las claves con gran habilidad y una de las diversiones favoritas de su padre era verlo tocar con el grupo. Una tarde, mientras el Conjunto Internacional ensayaba, Papo se sienta detrás de una tumbadora mucho más grande que él y comienza a tocar “Ran Kan Kan”, el mambo descarga que popularizara Tito Puente, con tanta precisión que los miembros de la orquesta lejos de interrrumpirlo, decidieron acompañarlo. Días mas tarde, Don Quique habla con un buen amigo , Francisco Alvarado, y con su ayuda matriculan al pequeño en la Escuela Libre de Música Juan Morel Campos de Ponce. Ahí los profesores le enseñaban las normas por la mañana y Don Quique las reforzaba por las noches.

En noviembre de 1957, el niño es la atracción principal de La Sonora Ponceña durante un baile en la ciudad de Bayamón. Familiares, amigos,músicos y el público en general quedan encantados con la presentación, y aunque esa noche no se habló mucho del pequeño pianista, para Don Quique, su conjunto, por fin estaba en la ruta que siempre había anhelado. El año siguiente, tres discos de 78 rpm materializan su quimera. Especialmente, el último de ellos, donde La Sonora Ponceña con Papo Lucca en el piano, acompaña a los boleristas Felipe Rodríguez y Pedro Ortíz Dávila, “Davilita”. Tapas de refrescos nuevamente son utilizadas para que alcance los pedales.

Durante los sesenta, Papo se convierte en la imagen principal y emblema de La Sonora Ponceña y los empresarios comienzan a exigir en los contratos la participación del chico. Y en cada presentación, todas las miradas quedaban fijadas en Papo, no sólo por su juventud, sino también por su innegable talento. A mediados de esa decada, el joven paso de ser el orgullo de su padre para convertirse en el orgullo de su ciudad.

El representante del Sello Inca, Pedro Páez, interesado en La Sonora Ponceña, le ofrece a Don Quique un contrato que no duda en firmar, y con algunas canciones compuestas por integrantes del grupo y otras originales de Arsenio Rodríguez, La Ponceña graba su primer disco de larga duración. Titulado “Hacheros Pa’ Un Palo”, todos los arreglos estuvieron a cargo del joven Papo.

El disco, y en especial el tema de le daba nombre, se convierte en un tremendo éxito radial en Nueva York. Lo mismo sucede con la Segunda grabación, “Fuego en el 23”, realizada en 1969. Cuando eso, además de Don Quique y Papo, La Sonora Ponceña estaba integrada por los cantantes Luigi Texidor y Tito Gómez, el bajista Tato Santaella, el timbalero Edgardo Morales, el conguero Félix Torres, el bongosero Francisco Alvarado y los trompetistas Carmelo Rivera, José Rodríguez, Delfín Pérez y Ramón Rodríguez.

Lucca llegó a conciliar tal influencia con la de Lili Martínez Griñan, el pianista y arreglista del Conjunto de Arsenio Rodríguez, que logró un estilo muy propio, y el que poco a poco se convirtiera en la base de toda la agrupación; aún cuando ese cambio no se hace presente en las primeras grabaciones con Fania. El primer disco para ese sello fue “Navidad Criolla”, álbum que recoge una gran parte de la tradición de aguinaldos y parrandas puertorriqueñas. Los siguientes tres discos, “Prende el Fogón”, “Sonora Ponceña” y “Sabor Sureño”, regresan nuevamente al estilo de Arsenio y la similitud con Palmieri. No fue hasta 1975, con el disco “Tiene Pimienta”, que Papo Lucca incorpora diferentes sonoridades con un teclado electrónico, hecho que consolida el siguiente año en “Conquista Musical”. La razón: el cambio de productor. Para ese disco, la disquera reemplaza a Larry Harlow con Louie Ramírez, quien además se asocia con Papo.

Aconsejado por Louie, La Ponceña inicia una gira por el Caribe y empiezan a internacionar su música interpretando y grabando temas, tales como “La Pollera Colorá”, del colombiano Wilson Choperena y bombas, merengues, boleros-feeling, guaguancós y sones. A fines de los 70’s , La Ponceña graba un disco con Celia Cruz, “La Ceiba”. Ese disco simboliza el cambio definitivo. Para ese entonces ya se habían incorporado como cantantes los puertorriqueños Miguel Ortíz y Yolanda Rivera, los que fueron seleccionados por las características tan disimiles que tenían; y cosa que lejos de turbar al oyente, como muchos temían, logró todo lo contrario.

En 1980, Papo graba uno de los discos más llamativos de La Sonora, “New Heights”, grabación que propuso un nuevo concepto, la ilustración de la carátula. Esa ilustración (y las siguientes), los acercan aún más al público y les crean, aparte de aficionados de su música, un nuevo grupo de seguidores, coleccionistas de tapas. Además, con ese disco, comienzan a titular las grabaciones en Inglés, cosa que refuerza el carácter internacional de la orquesta y es la que mejor mostraba una producción a nivel visual.

A mediados de los 80’s, La Sonora Ponceña era ya conocida como la agrupación más importante de Salsa en Puerto Rico y los Lucca eran amos y señores de la sonoridad. Tanto así, que cuando contratan a un nuevo y desconocido sonero, el desaparecido Toñito Ledée, en menos de dos años ya era un ídolo popular.

Paralelamente, La Ponceña añade dos nuevas novedades; Una, la tenaz grabación de canciones de música moderna cubana, especialmente la de Adalberto Alvarez y la de Pablo Milanés. El primero, siendo Director de “Son 14”, le entrega a Papo dos inesperados éxitos, “Soledad” y “Cuestiones”; y el segundo, cada vez más alejado de la nueva trova que le diera fama y fortuna, le pone en las manos “Canción”, tema basado en un poema de Nicolás Guillen, y “Sigo Pensando en Tí”. La otra fue su incursión en el Latin Jazz, lo que obliga a modificar la sección de vientos y el sonido. Basado también en los arreglos, que cada vez tenían mayores elementos de Jazz, se torna aún más brillante.

Con una discografía de más de 30 discos, uno de los que mejor refleja la historia y monumental contribución que Papo y La Ponceña le han entregado a la música popular caribeña, fue grabado en vivo el 19 de febrero de 2000 en el Anfiteatro Tito Puente de Puerto Rico para celebrar, en forma oficial, su 45 Aniversario. Una impecable grabación donde están presentes muchas de las figuras que formaron filas en su seno y un repertorio que incluye, entre otras, los clásicos “Boranda”, “Timbalero”, “Fuego en el 23”, y “Ahora Sí”. Algunas en versiones extra largas, justificadas sólo porque muestran el virtuosismo de su Director.

En los años subsiguientes, aunque no volvieron a grabar hasta el 2004, La Sonora Ponceña continuó con sus presentaciones, tanto en Puerto Rico como fuera del País.
Realizaron innumerables presentaciones en la Isla del Encanto, así como en Nueva York, La Florida, Washington, Connecticut, Philadelphia, Chicago, New Jersey, Venezuela, Panamá, Perú, Colombia, Ecuador, Paris, Inglaterra, Suiza e Italia.

El año 2004 resultó ser uno muy especial para Don Quique, Papo Lucca y su Sonora Ponceña. Por un lado, celebraron por todo lo alto, 50 Años en la música, mientras lanzaban al mercado su nueva propuesta musical, “Back to the Road”, bajo el Sello Pianissimo, propiedad del maestro Papo Lucca.

“Back to the Road” es un clásico disco de La Sonora Ponceña, donde se muestra lo que ha hecho de esta Orquesta una institución, demostrando que no se ha dormido en sus laureles y pasados éxitos, y envia un claro mensaje de que Papo Lucca sigue siendo un músico y visionario como pocos. Este trabajo discográfico demuestra la calidad de la Ponceña, siempre en la línea correcta, manteniendo la tradición y su sonido incomparable. Incluye, entre otros, Caprichosa, El Alacrán, Con Tres Tambores Batá.

En su Jubileo de Oro, que se celebró el 21 de febrero de 2004 en el Coliseo Rubén Rodríguez ante 12 mil personas, La Sonora Ponceña reafirmó su posición como una de las agrupaciones más célebres de Puerto Rico. Fue una fiesta como otras tantas que se forman cuando la Ponceña está en la tarima. La agrupación que dirigen Don Quique y Papo Lucca, sólo supo brindar su especialidad, un derroche de la mejor salsa en el mercado y un álbum musical repleto de nostalgia que incluye unas páginas gloriosas en el repertorio bailable afroantillano.

La Cámara de Representantes y la Legislatura de Puerto Rico, así como instituciones y grupos relacionados con la cultura y el quehacer artístico puertorriqueño, reconocieron a Don Quique y Papo Lucca, por la aportación que éstos han hecho a la música popular en Puerto Rico y el mundo entero durante los pasados 50 años.

El 16 de marzo de 2004, les fue dedicado el vigésimo tercer “Día Nacional de la Salsa”, el más importante acontecimiento salsero en Puerto Rico, celebrado en la Ciudad de Carolina.

En la Ciudad Señorial de Ponce, su ciudad de origen, recibieron el reconocimiento del Alcalde, Hon. Rafael “Churumba” Cordero (QEPD), nombrando una de las calles de la Ciudad, “Enrique Lucca Carballo”, en honor a Don Quique Lucca.

En una votación unánime, la Junta de Directores del “Día Nacional de la Parada Puertorriqueña en Nueva York, designó a la Sonora Ponceña, en su 50 Aniversario, como la Orquesta Invitada de Honor en el Noveno Desfile Anual celebrado el 13 de junio de 2004.

Antes de finalizar el 2004, el 4 de septiembre tuvieron el gran honor de inaugurar, junto al “Apolo Sound” de Roberto Roena y a Richie Rey y Bobby Cruz, uno de los escenarios más importantes de Puerto Rico y el Caribe, El Coliseo José Miguel Agrelot.

La Sonora Ponceña está integrada por Don Quique Lucca, Fundador y Director; Papo Lucca, Pianista, Arreglista y Director Musical; Edwin Rosas, Daniel Dávila, Héctor L. Pérez y Fernando L. Colón, Cantantes; Jorge L. Torres, Angel E. Rodríguez, Gustavo López y Alfredo del Valle, Trompetistas; Alexander Rosa, Bajo; Wilfredo López, Conga; Domingo Gutierrez, Bongó y Japhet Rodríguez, Timbal.

Fuente: http://www.sonoraponcenapr.com/

Cada noche de martes, El Van Gogh, Bar y restaurante se convierte en el sitio de mayor predilección para el buen gusto tanto por la musica y gastronomía como por las hermosas modelos que se hacen presentes a departir sus horas como amigas, lejos de una pasarela, lejos de un estudio fotográfico, lejos de una presentación.

“Ellas son la noche” señaló Moshe Drezner, propietario del lugar.

Una visita por Van Gogh.

Desde la entrada al lugar se percibe ese amor al arte, ese amor a la pintura de Vincent, Van Gogh vive presente en cada espacio.

La decoración esplendida en pinturas y la gastronomía de alta clase hacen del sitio, un lugar diferente. La atención personalizada de sus anfitriones marcan la diferencia. Es un lugar para convivir.

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Carlina Alvarado / Informe-C/

Muchos recordamos a Gary Coleman como “Arnold Jackson” en la serie estadounidense Blanco y negro (Diff´erent Strokes), quien interpretaba a un niño que adoptó y crió el millonario Philip Drummond. El papel aniñado que realizaba Coleman envolvió a los espectadores identificándose de inmediato con su personaje.

Su papel fue fácil de hacer debido a Gary nació con una enfermedad congénita del riñón, causándole una destrucción autoinmune del riñón, esto detuvo su crecimiento y desarrolló una estatura pequeña de 1,42 metros. Esta característica que lo hacía lucir como un niño de ocho años durante las ocho temporadas que la serie estuvo al aire, desde 1978 a 1986.

Gary Coleman nació el 8 de febrero de 1968 en Illinois, Estados unidos. Debido a su problema que presentó en su nacimiento, tuvo que someterse a dos trasplantes de riñón, el primero en 1973 y el otro en 1984.

El pasado 28 de mayo Gary Coleman partió, dejando a la televisión y a sus seguidores de luto. Su muerte se debió a una caída que sufrió el miércoles 19 de mayo en su casa, lo que ocasiono que lo llevaran de urgencia al Centro Médico Regional de Utah Valley, pero por más que se hizo todo lo que se pudo, la condición de Coleman empeoró quedando inconsciente y con respirador artificial. El actor de 42 años presentaba una hemorragia cerebral.

De ver que no se podía hacer nada más, sus familiares llegaron a la decisión de desconectar a Coleman del respirador que lo mantenía con vida.

Las redes sociales como Facebook  y Twitter acompañaron a Coleman hasta el final recordándolo con la famosa frase “De qué estas hablando, Willis?”

Recorrido artístico y personal de Gary:

En el punto más alto de su fama con Blanco y Negro, Coleman ganó $70.000 por episodio.

Extrañamente, la popularidad del pequeño actor desapareció una vez que el programa llegó a su fin, tras seis temporadas.

Coleman protagonizó varios largometrajes y películas de televisión como On the Right Track y The Kid With the Broken Halo. Incluso, este último proyecto sirvió como piloto para que Hanna-Barbera produjera la serie animada The Gary Coleman Show, en 1982.

En el 2006 conoció a Shannon Price, en el set de la comedia Church Ball. Coleman y Price se casaron en el 2007.

Interpretó al guarda jurado del edificio en un capítulo de Married with Children donde Al Bundy lo había llamado para reportar un camino de entrada ilegal.

En 1995, Coleman también apareció como el personaje “Mad Dog” en el show Martin (episodio titulado: “High Noon”), en el que interpretó a un ex convicto a quien Martin ayudó a encarcelar. Una vez que Mad Dog es puesto en libertad, regresa buscando a Martin.

“Solo volveré a actuar en series de televisión bajo la absoluta condición de que sea con un reparto y que todos tengan la oportunidad de brillar”, dijo Coleman, en una entrevista con la agencia AP en el 2001.

Coleman solo continuó apareciendo como invitado en programas de televisión e interpretando pequeños papeles a través de los años. No obstante, en la misma conversación con la AP, dijo que prefería ganar dinero por la publicidad.

Gary fue acusado supuesta violencia doméstica lo que lo llevó a querer suicidarse en dos ocasiones con una sobredosis de pastillas,  según las agencias DPA, las disputas legales persiguieron a Coleman continuamente.

Así como el famoso Gary tuvo momentos en su historia de fama y reconocimiento, también pasó momentos difíciles desde su nacimiento, sin embargo la vida nunca lo dejó rendirse, por más que así lo quiso.

Hoy miles de sus seguidores lo recuerdan como el pequeño Arnold que tanto los hizo reír en sus episodios cómicos de “Blanco y Negro”.

Carlina Alvarado/Informe-C

Crédito de fotografías: Roberto D´ambrosio

• Patiño Quintana, denominado a 4 premios ACAM

El grupo costarricense Patiño Quinta se forma gracias a un concurso que realizó una disquera española, en la cual Daniel Patiño, participó con la canción “Tentación de 12 horas”, escrita por él mismo, la cual quedó entre las finalistas. La que tuviera mayores votos era la ganadora y como premio iban a poder grabar profesionalmente en un estudio de España y vender la canción por la página web. Para poder lograr esta meta, Daniel, con un grupo de amigos músicos, decidió montar 4 canciones, que iban a presentar en un concierto el 28 de mayo del 2008, en El Cuartel, con la idea de que las personas los apoyaran y dieran su voto.

Como la propuesta inicial era realizar algo sencillo, el grupo se conformó de 5 integrantes, el primero en unirse a Daniel, fue su hermano Andrés Patiño, percusionista y baterista, después contaron con la participación  del violinista y corista Gastón Guevara, la corista Mariana Espinoza y el guitarrista Esteban Ureña.

Ese día fue un gran éxito para el grupo, según lo que cuenta Patiño, a la gente le gustó mucho, la impresión fue tan grande, que se les abrieron las puertas para un segundo concierto. Finalmente su cometido dio frutos, ganaron el concurso, sin embargo la disquera no cumplió lo prometido, pero la satisfacción de haberse consolidado como banda y el haber atraído una gran público en tan poco tiempo valieron más que cualquier otra cosa.

El haber obtenido un buen resultado en su primer debut, los impulsó a seguir adelante y el grupo creció, se integraron al bajista Alberto Chávez, Amanda Velázquez, corista y percusión menor, Sebastián Loaiza, tecladista. Chávez salió de la banda dándole su lugar a Iosef Klaver, quien ya junto con Daniel había grabado con su otra banda, Senestesia.

El género que destaca al grupo nacional, entre su público, es una especie de “canción urbana”, ya que es una fusión entre rock/pop, trova, jazz, blues y ritmos latinos. “Los temas son influencias de todos nosotros, es una mezcla, nunca nos sentamos hacer un grupo de un género definido, nunca nos ha interesa encasillarnos en uno solo” expresó Patiño.

“Camino de Aire” es como se titula su primer sencillo y nombre de su primer disco que consta de diez canciones con un estilo único y muy propio. El 6 de noviembre fue el concierto para la presentación de su álbum, se realizó a las 8 p.m. en el Museo de los niños. El evento abrió con la pieza que dio origen al grupo “Tentación de 12 horas”. Esa misma noche iniciarían a grabar su primer video.

“Me encontré con varias sorpresas, guitarras desconectadas., charco en el piso, stand más alto… detalles!! Tengo que admitir que fue la entrada más intimidante que he tenido que hacer. A la vez fue la primera vez que vi la cantidad de gente que había llegado, Gracias a todos, fue impresionante”, fue lo que declaró Patiño en su blog en internet, con respecto a su experiencia de entrada al concierto.

El disco se grabó en el estudio Solo Hits, en Guadalupe”, junto a la producción de Cheko D´ávila, quien interpretó varios instrumentos para el álbum y la grabación de Ercik Román.

Inmediatamente en diciembre, presentan su primer video de “algún día”, sencillo del reciente álbum. La grabación contiene tomas del concierto efectuado en el Museo de los Niños, como también locaciones como un caserío urbano en medio San José y una playa tica. El estreno de este primer video lo celebraron con un concierto en la Universidad Veritas

La producción audiovisual fue dirigida por el cineasta Paulo Soto y producida por Marlon Villar y Nicholas Wong como director de fotografía.

Patiño expresa que el 11 de febrero de este año, para el fue su mejor concierto, por la razón de que ya estaban consolidados como grupo y tenían canciones más amarradas, “todos los factores resultaron a nuestro favor, nuestros amigos en el público, nuestros instrumentos sobre un escenario de lujo y 2 horas para derrochar absolutamente todo nuestro trabajo musical hasta el momento”.

A pesar de 2 años de trayectoria y de que todos son bastante jóvenes, musicalmente tienen un camino bastante recorrido y esto gracias al compromiso y a la seriedad que cada uno  ha puesto en este proyecto musical. Los diferentes factores con los que han tenido que lidiar en cada concierto les han dejado experiencia y los ha hecho mejorar como integrantes.

Entre los logros que han tenido, aparte de la grabación de su primer disco y video clip, Patiño Quintana fue nominado a 4 premios ACAM:

1. mejor disco de nueva canción costarricense.
2.  artista revelación del año.
3. mejor diseño grafico para el disco.
4.  arreglo del año por la producción “Camino de aire”.

“Es un logro increíble que el trabajo que dedicamos a nuestro disco haya sido recompensado a esas 4 nominaciones, no nos esperábamos que el jurado de ACAM nos tomara en cuenta”, contó Daniel Patiño con gran entusiasmo.

Conociendo a Daniel Patiño Quintana  

El gusto por la música lo traía desde niño, Daniel recibió clases de música, piano, guitarra, para él siempre ha sido un hobbie. Fue hasta hace poco, con su proyecto musical Patiño Quintana, que comienza a tomarse en serio la música. Antes de formar su agrupación actual, Patiño integraba el grupo Senestesia, que era un género rock alternativo progresivo, nos comenta que fue una de sus primeras experiencias en el mundo musical, sacaron un disco, lo que le sirvió para desarrollarse en el medio y tomarlo en cuenta con lo que sería Patiño Quintana.

¿Cómo es un día normal y profesional de Daniel?

Patiño es diseñador publicitario, además de músico. Básicamente divide su tiempo en esas dos cosas, siempre está tratando de mezclarlos. Dedica su tiempo a la promoción del grupo, genera proyectos que involucren los aspectos de mercadeo, diseño gráfico y publicidad.

Proyectos a futuro

Las ideas y metas que se propone Patiño Quintana a mediano plazo es grabar un EP, es decir, un disco corto, en el que van a grabar 2 canciones nuevas y un par de las que quedaron fuera del disco “Camino de aire”.

También están pensando desde ya sacar un segundo disco completo, esperan que pueda ser a finales de este año y principios del siguiente.

Por el momento, están planeando una gira de colegios, la cual consiste, instalarse en colegios para ofrecer charlas con temas ambientales y conciertos. El concepto que desean manejar, es tipo festival. La gira estaría acompañada con grupos como Cocofunca, Ale Fernández y Henna. Esperan comenzar en agosto cuando ya las instituciones hayan vuelto de vacaciones.

Integrantes

Daniel Patiño (guitarra acústica y voz).

Andrés Patiño  (percusionista y baterista)

Esteban Ureña  (guitarra eléctrica)

Gaston Guevara (violinista, saxofonista, corista)

Iosef Klaver (bajista)

Sebastián Loaiza (tecladista y pianista)

Mariana Espinoza (coristas y percusión menor)

Amanda Velázquez (corista y percusión menor)

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Carlina Alvarado/ Informe-C

Fuente: 89decibeles

 La Asociación de Autores y Compositores Musicales (ACAM) entregara esta semana los Premios ACAM a la Música Costarricense 2010. La ceremonia se va a dividir en 2 partes, la primera entrega se va hacer hoy 24 de mayo en el Jazz Café Escazú, a las 8 p.m. y el 31 de mayo en el Auditorio Nacional, que está ubicado en el Museo de los niños y dará inicio a las 7 p.m.

El jurado encargado está conformado por músicos ticos, quienes serán: María Clara Vargas Cullel (directora de la Escuela de Música de la UCR), Luis Diego Solórzano (cantautor y productor musical) Eduardo Gómez (folclorista guanacasteco), Julio Nájera (vocalista del grupo Akasha), Allan Guzmán (cantautor y productor) y Arturo Pardo (periodista)

Se premiarán 32 categorías, entre ellas se incluyó la de EP, metal, y pop, como novedad para este año. Los ganadores van a ser personas físicas o jurídicas, el requisito que deben cumplir es que hayan sido publicadas sus obras o producciones musicales entre el 1 de noviembre del 2008 y el 31 de octubre del 2009.

En abril se dieron a conocer la lista de los nominados a los ACAM 2010 y ellos son:

Canción del año 2009
* “Descriptar” compuesta por Julio Nájera e interpretada por Akasha
* “El camino” compuesta por Pedro Capmany e interpretada por Los Govinda
* “Qué más da” compuesta por Luis Alonso Naranjo e interpretada por Escats

Artista intérprete de mayor proyección internacional
* Malpaís
* Akasha
* Esteban Calderón

Artista intérprete revelación del año
* Sonámbulo
* Patiño Quintana
* Esteban Calderón

Rock
* Gandhi – Arigato No!
* El Parque – El Parque
* Cuarto Paralelo – Cuarto Paralelo

Metal
* Sintagma – Vestigios
* Sight of Emptiness – Absolution of Humanity
* Antares – La hibris de la inconciencia

Punk
* Adaptados – Pavoneando Fiero
* Endemia – Endemia

Electrónica
* Sybel – Senses

Música progresiva
* Time’s Forgotten – Dandelion
* La Brugmansia – La Brugmansia

Hard rock
* David Ramírez – Anónimo
* Gustavo Salazar – Androide

Pop
* Esteban Calderón – Después del uno
* Milissia – Tu ángel
* Mario Tanzi – Destello de verde

EP Metal
* Passenger – Get Off the Rails
* Cangrena – Cangrena
* Unleash the Dream – The End of an Era

EP Rock
* Henna – Soda Cassette
* Cocofunka – Cocofunka
* Keep the Gap – Keep the Gap

EP Pop
* En viaje – Sacúdeme
* Charlie XX27 – Para vos

Nueva Canción Costarricense (grupo)
* Patiño Quintana – Camino de Aire
* Malpaís – Un día lejano

Nueva canción costarricense (solistas)
* LuisGa y Los Ajenos – Íntima canción
* María Pretiz – En Braille
* Christian Porras – Ticolandia

Música tropical
* Sonámbulo – A Puro Peluche

Música típica/tradicional
* Raúl Chavarria Mora – Con el son de mi tierra
* Juan Carlos Rojas – Baila y canta mi Parambito
* Oficina Regional de Cultura de Guanacaste del Ministerio de Cultura y Juventud – Música de Guanacaste, interpretadas por varios artistas

Música religiosa
* Freiman Chavarría – Libre
* Punto75 – Oceano Observe Grizzly
* Mauricio Muñoz – Todo en mí

Música formal
* Carlos Escalante – Laudas de muerte y huesos
* Marvin Camacho – Sonata del infierno
* Eddie Mora – Retrato IV

Música electroacústica
* Otto Castro Solano – Cantos de la Llorona

Música instrumental
* Manuel Obregón – Piano Malango

Música incidental
* Bernal Villegas – Obra musical de la película Gestación
* Carlos Escalante – Composiciones musicales para la obra de teatro Salomé
* Jonatan Albuja – Composición musical de la obra Historias Cabécares

Mejor producción en DVD
* Éditus – Editus 360
* Akasha – Descriptar
* Kin Rivera Jr.- Más Allá

Colaborador del año
* Radio Malpaís

Mejor ingeniero de grabación
* Alberto Ortiz por la ingeniería de grabación en las producciones El Parque de El Parque, Soda Cassette de Henna, Oceano Observe Grizzly de Punto 75 y la producción Después del Uno de Esteban Calderón.
* Draxe Ramírez por la ingeniería de grabación en la producción Piano Malango de Manuel Obregón
* Wálter Flores por la ingeniería de sonido en la producción En Braille de María Pretiz

Mejor diseño gráfico
* Pedro “Ped” Cordero por el diseño gráfico Pavoneando Fiero de Adaptados.
* Daniel Patiño por el diseño gráfico de Camino de aire de Patiño Quintana
* Paula Cruz por el diseño del disco Ticolandia, de Christian Porras.

Productor fonográfico
* Papaya Music por Piano Malango de Manuel Obregón y Un día lejano de Malpaís
* Dartempo S.A por Ticolandia de Christian Porras.
* Centro Cultural de España por A todo peluche de Sonámbulo y Cantos de la Llorona de Otto Castro

Arreglista del año
* Fidel Gamboa por la producción Un día lejano de Malpaís
* Alberto Ortiz por la producción Después del uno de Esteban Calderón
* Daniel y Andrés Patiño Quintana por la producción Camino de aire de Patiño Quintana

Productor musical del año
* Stevie Salas y Gandhi por la producción Arigato No! de Gandhi
* Fidel Gamboa por la producción Un Día lejano de Malpaís
* Alberto Ortiz por las producciones El Parque de El Parque, Soda Cassette de Henna, Océano Observe Grizzly de Punto 75 y Después del uno de Esteban Calderón

Mención honorífica
* 25 Años de la Orquesta de guitarras de la UCR bajo la dirección del Maestro Luis Zumbado.

Música urbana (Hip-Hop, Roots, Reggaetón)
* Mr. Prey – Street Flow
* Mr. Jey – Ten fe
* Pablo Livity y Mauris – La situación

Fotos : http://www.dlestudio.com/

Marvin Ortiz OzZ

Criado en un pequeño país latinoamericano llamado Costa Rica, pero con enorme talento y  potencial. Vj V comenzó muy joven en la producción de eventos para club’s, empresas reconocidas, canales de Televisión; pero su inspiración por la mezcla de videos en vivo nace el día cuando en compañía de su amigo el Vj  Rony lo impulsa a realizar su  sueño ya que Rony  sabía que  Vj V ( Esteban Vargas ) toda una vida había deseado pinchar discos.

En el 2007 empieza a desarrollar toda su pasión por la música en fiestas privadas y en los mejores club’s de Costa Rica, haciendo de la mezcla algo diferente ya que empieza  a desarrollar la nueva tendencia MEZCLA DE AUDIO Y VIDEO EN VIVO.

Su estilo se define como una combinación de ritmos muy diferentes ( Latin house, Hip Hop, Reggaeton, Ballenato, entre otros) donde la música no deja de sonar, acompañado de mucha energía y dinamismo que en cada presentación trata de transmitirla a los asistentes que llegan a disfrutar de las mezclas de audio y video en vivo.Vj V se ha convertido en un reconocido y respetado Vj  y esto le ha dado la posibilidad de ser parte de grandes eventos en Costa Rica en donde tuvo el placer de ser el telonero de uno de los Djs más influyentes a nivel mundial en el  género  electrónico DJ Tiesto, y de tener presentaciones fuera del país, como lo hizo al inicio de este año 2010 en Kabbalah Lounge  en Tegucigalpa, Honduras donde dejo el nombre de Costa Rica muy alto.

Vj V ha sido influenciado por muchos, que le han demostrado una verdadera amistad, tales como son:  Vj  Rony, Dj Mauricio Esteban, Charlie Stevens entre otros. De todos ha aprendido mucho y hoy por hoy lo agradece dejando en cada una de sus presentaciones el alma en el escenario.

Se nota que el talento nacional cada día crece y bien se refleja en Vj V, quien realmente disfruta de sus logros y agradece a Dios el poder compartir con la gente un poco de sus mezclas y buena vibra la cual se transmite en cada una de sus presentaciones.

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Informe-C/

Este próximo sábado 22 de mayo, los rockeros del país, podrán disfrutar de interpretaciones de grupos nacionales de heavy metal y power metal como Nautilus, SoulDreamer, Estigia, Aprenavir, Homeostasis y Arthes, el Bar Metall House ubicado a 75 metros este de “La Extra”.

El evento tendrá inicio a las 5 p.m. el cual va a ser abierto por el grupo Estigia y terminará alrededor de las 9:30 p.m. con el cierre de SoulDream. Cada grupo presentará canciones tanto propias como covers.

Por ejemplo el grupo Nautilus interpretará 3 canciones propias, la cuales serán “Nautilus”, “Puertas de sombra” y “Capitán Nemo” y 4 covers de grupos españoles, entre ellos “El flautista”de Ñu, “Los rockeros van al infierno” de Baron rojo, “Juana de Arco” de Tierra Santa y “Corazón de heavy metal” de Lujuria, según lo informado por José Luis Jiménez Briceño, bajista del grupo de folk metal heavy metal Nautilus.

La entrada al evento tendrá un costo de 2500 por persona

Nota y fotografía: Randall Rodríguez

Como es costumbre la Organización de Señora Costa Rica con Marisol Soto a la cabeza se presentaron las 15 candidatas de este año en las instalaciones del Hotel Ramada Herradura.

Siempre con la obra social como estandarte todas las entradas del evento principal serán donadas a la Unidad de Cuidado Paleativo www.cuidadopaleativo.org unidad que ayuda a aquellos niños con enfermedades terminales a conllevar de forma más digna y menos dolorosa esta condición, adicional la Unidad da ayuda sicológica a los familiares de estos niños que también sufren por ellos.

Las candidatas son Glenda Segura 31 años y 1 hijo; Hazel Ureña 36 años, Eduviges Hidalgo 39 años y 2 hijos, Jéssica Coto 40 años y 2 hijos, Zachary Reyes 38 años y 2 hijos, Jenny Mora 42 años y 5 hijos, Priscilla Cortés 25 años y una hija, Hellen Brenes 38 años y una hija, Gwendy Obando 33 años y 3 hijos, Jéssica Oviedo 30 años y 6 hijos, Sylvia Serrano 30 años y una hija, Adriana Aguilar 27 años y 1 hijo, Cindy Blake 29 años y 1 hijo, Vanessa Ruíz 36 años  y por último Ileana Rodríguez 32 años y 2 hijos.

La elección final será el 10 de Junio en el Hotel Ramada Herradura.

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escrito por Anna Sánchez

Nadie es perfecto, eso lo sabemos todos. Entonces, ¿para qué engañar a la gente creando cuerpos esculturales de personajes que sabemos que no lo son? Hoy en día la tendencia estética en revistas y ‘photoshoots’ parece ser la de representar una mentira. Lo bonito de las personas es ser naturales, yo entiendo que una ‘celebrity’ se maquille y se vista extremada para estar más bella, pero no creo que les guste verse retocadas hasta el límite de no parecer ellas mismas, al menos a mí no me gustaría.

Como periodista y productora, me he visto muchas veces usando el Photoshop para crear cuerpazos casi divinos, perfilando curvas y michelines así como quitando pecas o tatuajes de la piel de los famosos para poder vender las fotos con más garantía a las revistas. ¿Qué nos pasa? ¿Por qué esa obsesión con la belleza per-fec-ta? ¿Acaso no tenemos todos pecas, michelines o celulitis?

Pues bien, hay algunas famosas que ya se están cansando de tanto retoque. Una de ellas es Britney Spears, que, tras ver la sesión promocional de la marca Candie’s, apenas reconoció su propio cuerpo. Parece de plástico brillante, como una Barbie humana, y la impresión es más bien ‘rara’. Por eso Britney ha decidido decir NO al Photoshop y ya ha anunciado que su próxima sesión para la marca será completamente al natural, que está harta de retoques informáticos.

Britney se siente orgullosa de ser cómo es y no necesita someterse a ‘chapa y pintura’ antes de salir en portada de ninguna revista. De hecho, la contratendencia ahora es que las portadas de algunas revistas tan destacadas como “Elle” o “Vanity Fair” sean AL NATURAL, teóricamente 100% sin retoque…, teóricamente porque luego ves las fotos y no te lo crees ni tú.

Pero bueno, el caso es que Britney ha tomado esta decisión ¡que yo apoyo totalmente! Creo que siendo joven, guapa y buena cantante no le hacen falta retoques como en el caso de Candie’s. Si miráis las fotos veréis que son minúsculas imperfecciones como manchas en la piel, el culo un poquito más pequeño de lo ‘normal’, el tatuaje, un milímetro de grasa en el costado… uuuf… mejor al natural y nos dejamos de chorradas, que en la foto retocada ¡parece que tenga las piernas de cera!

Ojalá más famosas se unan a esta protesta y volvamos a ver cuerpos normales, naturales y bellos en sí mismos, ¡como los del anuncio de Dove!